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Django de Serfegio
Corbucci (Italie / Espagne) 1966 – 94’ |
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Italie / Espagne 1966 A lone man walks, behind him he drags a
coffin. That man is Django. He rescues a woman from bandits and,
later, arrives in a town ravaged by the same bandits. The scene
for confrontation is set. But why does he drag that coffin everywhere
and who, or what, is in it? À la frontière du Nouveau-Mexique, un cow-boy vient à la rescousse d’une jeune femme menacée par des bandits. Ils font halte dans une petite ville qui vient de subir un raid de la même bande. Sergio Corbucci est considéré (à raison) comme l’un des maîtres du western italien, aux côtés de Sergio Leone et de Sergio Sollima (avec lesquels il forme le trio des « Trois Sergio » comme on les nomme souvent). Son style qui mêle violence et humour noir en un cocktail explosif, s’adapte merveilleusement bien au western. Corbucci signe d’ailleurs quelques chefs-d’œuvre du genre, parmi lesquels Minnesota Clay, Vamos a Matar Compañeros ! ou encore le Grand Silence. Django constitue la troisième incursion du cinéaste dans l’univers de l’Ouest. Cette œuvre baroque (voire surréaliste), d’une extrême violence, a marqué durablement le genre par une noirceur et une sauvagerie inconnues jusqu’alors. Le succès remporté fut phénoménal. S’ensuivit une série impressionnante d’autres « Django » qui ne parvinrent jamais à égaler l’original. Personnage culte du western spaghetti, Django s’inscrit parfaitement dans la lignée des (anti-) héros des films de Leone. Cynique, brutal, impénétrable et mystérieux (avec son cercueil qu’il trimbale partout), il servira d’inspiration à de nombreuses autres figures du western européen (tels Sabata, Sartana ou Trinita). L’interprétation magistrale de Franco Nero y est pour beaucoup. L’extrême sensibilité de l’acteur lui permet de faire ressentir la souffrance tant physique que morale du personnage. « John Ford avait John Wayne, disait Corbucci. Moi, j’ai Franco Nero. » |
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Face
à face / Le Dernier face à face / Il était
une fois en Arizona / Faccia a Faccia Italie / Espagne 1967 Brad Fletcher (Gian Maria Volontè),
a former history professor, goes West for health reasons. He meets
(and is enamored with) an impetuous outlaw Beauregard Bennet (Tomás
Milian) the leader of a notorious gang of bandits. Fletcher and
Beauregard team together and become friends. But the friendship
causes them to develop into very different things. Brad Fletcher, un professeur d'université souffrant d’une maladie pulmonaire, se rend à Purgatory City pour se soigner. Pris en otage par le célèbre hors-la-loi, Beauregard Bennet, il est fasciné par la personnalité de ce dernier et s’affirme de plus en plus au sein de la bande. Beauregard, écœuré par sa froide cruauté, finira par l’abattre. Deuxième western de Sergio Sollima (après Colorado) et à nouveau une réussite totale. Au-delà du film d’action, une réflexion pénétrante sur l’association entre la violence et l’intelligence et sur la barbarie latente qui sommeille en chacun de nous. Une sorte de croisement entre les univers de Dostoïevski et de Peckinpah. Sollima avait, il est vrai, réuni tous les ingrédients garantissant le succès : la musique taraudante d’Ennio Morricone, un sujet de Sergio Donati (qui allait devenir célèbre peu après en signant le scénario de Il était une fois l’Ouest et Il était une fois la Révolution) et surtout des acteurs fabuleux. Gian Maria Volontè rend parfaitement crédible la transformation de Brad Fletcher d’inoffensif professeur en monstre sanguinaire. Face à lui, Tomás Milian, comédien d’origine cubaine, dont le jeu exubérant devait le vouer à devenir l’interprète par excellence des révolutionnaires et des brigands anarchistes du western européen.
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La
Colline des bottes / Trinita va tout casser / La Collina Degli Stivali Italie 1968 Cat Stevens (Terence Hill) is shot by some
bandits and a circus trupe helps him recover. He needs to get revenge
and avenge the death of a circus performer who helped him recover.
He asks his old buddy Hutch Bessy (Bud Spencer) to help him.
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Les
colts brillent au soleil Italie / France 1968 Cattle thieves take refuge in (and then
take over) a Colorado mountain town. Retired sheriff Bill Ramson
finally decides to do something about the hostile subjugation. He
and his stepson Tony wage war on Scaife and the outlaws. Une bande de voleurs de bétail menée par le cruel Scaife, se réfugie dans un village isolé de montagne et fait subir souffrances et humiliations à ses habitants timorés. Seuls Bill Ramson, shérif à la retraite, et son beau-fils Tony, trouvent le courage de leur résister. Une œuvre âpre où la violence atteint un rare paroxysme (avec en filigrane des références au nazisme). Scaife (interprété avec puissance par Andrea Giordana) est sans conteste l’un des personnages les plus diaboliques du western spaghetti : esclavagiste, tortionnaire, crapule rusée, il n’a d’égal peut-être que Tigrero son alter ego du Grand Silence. Les colts brillent au soleil fait d’ailleurs plus d’une fois penser au chef-d’œuvre de Corbucci, notamment par son utilisation du décor enneigé qui renforce encore la cruauté des événements. Sergio Merolle qui signe ici son unique réalisation s’est illustré par ailleurs en tant que directeur de production (notamment sur les films engagés de Pontecorvo la Bataille d’Alger et Queimada).
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Le
Grand Silence Italie / France 1968 Bounty killers led by Loco prey on outlaws
hiding out in the snowbound Utah mountains. After Pauline's husband
becomes Loco's latest victim, she hires a gunman for revenge; Silence,
mute since his throat was cut as a child Silence, un justicier muet, pourchasse Loco1, chef d’une bande de chasseurs de primes sanguinaires qui terrorisent l’Utah. Considéré unanimement comme l’un des meilleurs westerns européens de tous les temps et comme l’œuvre la plus aboutie de Sergio Corbucci, un film à la fois sombre, violent et terriblement humain. Le titre seul témoigne de la richesse intrinsèque de l’œuvre. En effet, il réfère à la fois au personnage principal, surnommé Silence en raison de son handicap, à la quiétude des paysages hivernaux et à la mort omniprésente. Un western italien profondément original avec son épilogue inattendu et d’un rare cynisme, mais aussi un décor2 qui tranche avec les habituels déserts arides écrasés de soleil. Le casting est lui aussi surprenant : le calme Jean-Louis Trintignant (Silence) y est opposé au sanguin Klaus Kinski (qui interprète Loco avec toute la démesure qu’on lui connaît). Trintignant, rarement associé au western, trouve dans ce film l’un des rôles majeurs de sa carrière : sa performance est extraordinaire. Sans recourir au langage, il parvient à communiquer les sentiments de son personnage uniquement par sa présence physique et son regard. Enfin, on retiendra la musique insolite d’Ennio Morricone, tour à tour stylisée ou onirique, et surtout la photographie superbe de Silviano Ippoliti. L’âpre photogénie des montagnes enneigées renforce en effet l’atmosphère crépusculaire de ce merveilleux western.
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Il
était une fois dans l'Ouest Italie 1969 A desert train station,
somewhere in the West. Three man are waiting for someone to kill.
But the man they wait for, called Harmonica, will be the faster.
He wants to kill Frank, a hired killer who hung his brother. Un quai de gare désert,
quelque part dans le grand Ouest. Trois hommes, vêtus de longs
manteaux cache-poussière et coiffés de chapeaux à
larges bords. Ils attendent un voyageur pour l'abattre. Mais celui-ci
sera le plus rapide. Son nom de guerre est Harmonica. Flanqué
d'un détenu en cavale, Cheyenne, il se lance sur la piste
de Frank, un tueur à gages qui a autrefois fait pendre son
frère sous ses yeux. Frank est pour l'heure à la solde
d'un exploitant véreux, Morton, prêt à tout
pour élargir son domaine. D'une hécatombe à
l'autre, Harmonica et Frank se livrent une lutte sans merci.
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Allemagne / France / Italie
1969 « Voilà ce qui est vraiment
nouveau : ne plus m’appeler Godard, mais Godard-Gorin. Il fallait
bien diffuser cette nouvelle, prendre un drapeau, comme tout le
monde, et l’agiter. [...] Ce travail, c’était commencer
à s’interroger politiquement sur les images et les sons,
et sur leurs rapports. C’était ne plus dire : c’est
une image juste, mais : c’est juste une image. Ne plus dire
: c’est un officier nordiste sur un cheval, mais : c’est
une image d’un cheval et d’un officier. Dire cela dans
Vent d’Est était particulièrement agressif, car
on se situait sur le terrain principal de l’adversaire : le
western, « image » que l’Occident impose –
et tous les moyens lui sont bons – au reste du monde. »
(Jean-Luc Godard, le Monde, 27/4/1972)
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Compañeros
/ Les Compagnons de la gloire / Vamos a Matar, Compañeros
! Italie / Allemagne / Espagne
1970-1971 The « Swede » (Franco Nero) arrives
in « Mexican occupied » San Bernardino where he befriends
a young revolutionary, Basco (Tomás Milian). Together they
attempt to rescue a popular political prisoner, Professor Xantos
(Fernando Rey), but Swede’s real motivation is the contents
of a safe inside the fortress. Un parfait exemple de la veine politique du western spaghetti bénéficiant d’une extraordinaire brochette d’acteurs. Un mercenaire suédois (Franco Nero) poursuivi par son ennemi implacable John (Jack Palance) débarque à San Bernardino. Il y fait la connaissance de Basco, un jeune péon révolutionnaire (Tomás Milian). Ensemble, ils décident de délivrer le professeur Xantos (Fernando Rey), un prisonnier politique populaire qui détient la combinaison d’un coffre fort contenant une fortune. En réalité, la seule motivation du Suédois est l’argent… Troisième collaboration de Sergio Corbucci et de son acteur fétiche, Franco Nero (après le populaire Django et le Mercenaire) Compañeros contient à nouveau les ingrédients typiques du réalisateur : humour noir ravageur (souligné par la musique d’Ennio Morricone), violence et bien sûr message politique. Ainsi, par exemple, le personnage de John qui nourrit son faucon nommé America avec des restes humains est clairement une allégorie des États-Unis s’engraissant sur le dos du tiers monde !
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Des
brutes dans la ville Italie / Espagne / Angleterre
1971 The Colonel is a bounty hunter who is in
search for a Mexican revolutionary who has since become a priest
and has taken refuge in a city controlled by the bandit Don Carlos.
Meanwhile, Alvira, a beautiful and mysterious woman has arrived
in town with a coffin, supposedly for the body of the man who killed
her husband. She joins forces with the Colonel to find him. Un chasseur de primes, le Colonel, pourchasse un ancien révolutionnaire mexicain (devenu prêtre). Ce dernier s’est réfugié dans une petite ville contrôlée par le bandit Don Carlos. Alvira, une séduisante veuve, arrive dans la même ville avec pour objectif de venger le meurtre de son mari. Le Colonel et Alvira décident de collaborer. Afin de pouvoir surfer sur la vague à succès du western spaghetti, divers producteurs britanniques investirent dans des coproductions italo-espagnoles. Benjamin Fisz fut l’un d’eux. Il proposa son propre scénario à Robert Parrish, réalisateur américain qui s’était fait une réputation dans les années cinquante avec ses films de gangsters (The Mob, The San Francisco Story) et d’aventures (Fire Down Below, Purple Plain). En découle un western déconcertant, servi par une joyeuse bande d’acteurs, dont Telly Savalas (remarqué dans les Douze salopards). Loin des rôles d’ingénues qui avaient fait sa gloire (Docteur Jerry et Mister Love avec Jerry Lewis, Girls girls girls ! aux côtés d’Elvis Presley), Stella Stevens campe ici avec aplomb l’un des rares rôles féminins étoffés du western spaghetti.
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Une
aventure de Billy le Kid France
1971 Billy the Kid is both
ruthless and blumbling in this impressionistic French-made western.
Ruthless, in that he tracks down a witness to a robbery and kills
him in cold blood. Blumbing, in that he literaly stumbles over things
throughought the film. Le grand western de l’histoire du cinéma français. Bien plus qu’une simple parodie, c’est un hommage irrévérencieux et pas du tout sérieux aux westerns sur lesquels Luc Moullet a tant écrit. Jean-Pierre Léaud campe un Billy le Kid halluciné et époustouflant qui déambule dans des décors naturels magnifiques. Ce film, jamais sorti en France, a été distribué en Amérique du Sud dans une version anglaise et sous le titre inoubliable A Girl Is A Gun. (Luc Moullet le contrebandier, Dominique Païni, Cinémathèque française, 1993).
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Les
Aventures galantes de Zorro Belgique
/ France 1972 A soft-core sex farce
using the Zorro legend as an excuse for countless lusty exploits.
Jean-Michel Dhermay is the dashing and amorous Zorro who stands
up agaunst the tyrannical California governor (Ghislaine Kay). And
lays down against a lot of beautiful women. Un nanar érotique représentatif de la vague de westerns lascifs (aux titres évocateurs tels Orgies au Golden Saloon ou les Sept Partouzards de l’Ouest) qui proliféra en France et en Belgique dans les années soixante-dix. Dans ce contexte, le justicier masqué au fouet cinglant se transforme en insatiable bête de sexe, toujours désireuse de porter secours à la veuve et à l’opprimée. Partant d’un film de série B qu’il avait tourné peu auparavant, Gilbert Roussel (sous le couvert d’un pseudonyme anglophone) s’est en effet amusé à en livrer un caviardiage égrillard. L’intrigue du film d’aventures a ainsi été parsemée d’une série de scènes porno « soft », tournées en Espagne (en cinq jours !). Entre deux duels ou poursuites, Zorro nous est donc présenté occupé à sacrifier au repos du guerrier ou à chevaucher allègrement d’aguichantes créatures (parmi lesquelles la star française du porno Alice Arno). Le résultat est une curiosité cinématographique à prendre au centième degré et qui ne se targue d’aucune ambition artistique. Les Aventures galantes de Zorro est en effet aux westerns de John Ford ce que le canasson est au pur-sang.
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Une raison
pour vivre, une raison pour mourir / Una Ragione Per Vivere E Una
Per Morire Italie / Espagne / France 1972 Union Colonel Coburn and seven condemned
men attempt to recapture a Missouri fort from brutal Confederate
Major Savalas. Sous la direction d’un colonel nordiste (James Coburn), un groupe de sept forbans tente d’obtenir sa grâce à travers une mission impossible : se rendre maître d’un fort tombé aux mains d’un commandant sudiste (Telly Savalas). Le canevas à succès des Douze Salopards, transplanté pendant la guerre de Sécession. Émule de Sergio Leone (qui le tient pour son meilleur disciple), Tonino Valerii, n’a rien à envier au maître en ce qui concerne les scènes d’action qui sont fulgurantes ! Il s’est en outre entouré d’une équipe de choix : photographie signée Alejandro Ulloa, chef opérateur habituel de Sergio Corbucci (Compañeros ; le Mercenaire) et surtout une formidable brochette d’acteurs, familiers du western spaghetti (dont Bud Spencer et Terence Hill, dans des rôles graves et musclés fort éloignés des œuvres parodiques dont ils partagent habituellement la vedette)..
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Mais qu’est-ce
que je viens foutre au milieu de cette révolution ? / Che
C’Entriamo Noi Con La Rivoluzione ? Italie / Espagne 1973 A corp and a priest are tangled up in a Mexican
revolution. Un cabot shakespearien en tournée et un prêtre sont empêtrés, malgré eux, dans la révolution mexicaine. Cette œuvre jubilatoire évoque par son thème Il était une fois la révolution (Sergio Leone), dont elle se démarque par un ton beaucoup plus mordant qui tourne l’héroïsme en ridicule. Vittorio Gassman, acteur numéro un de la comédie à l’italienne investit (le temps d’un unique film) le western spaghetti et forme avec Paolo Villagio un duo irrésistible. Sa capacité de passer allègrement du burlesque au pathétique fait merveille dans ce western qui mêle tragique, comique et politique. Bourré de clins d’œil cinématographiques à Eisenstein, Hitchcock ou Peckinpah, Qu’est ce que je viens foutre… est assurément l’un des plus curieux westerns européens réalisés.
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Mon
nom est Personne Italie / France / Allemagne
1973 Western spoof with Terence Hill as an easygoing
gunman who worships aging Fonda, a gunfighter who wants to retire. Beauregard (Henry Fonda) en a assez de traîner sa réputation de « meilleur tireur de l’Ouest » et voudrait prendre sa retraite. Sa route croise celle de Personne (Terence Hill), un admirateur encombrant, qui l’aidera à exaucer son souhait et entrera ainsi dans les livres d’histoire. Produit par Sergio Leone (à qui l’on attribue également l’idée originale et la scène d’ouverture du film), un film autoparodique et crépusculaire. Avec beaucoup d’humour, Tonino Valerii aborde le conflit des générations, remet en question la notion de mythe et s’interroge sur le déclin de l’Ouest et du western. Le tandem inattendu Terence Hill–Henry Fonda fonctionne à merveille. Le premier reprend le rôle du cow-boy goguenard qui a fait sa réputation (notamment dans la série des Trinita), tandis que Fonda s’amuse à caricaturer son rôle mythique de Il était une fois dans l’Ouest. Avec en prime, l’une des compositions les plus populaires d’Ennio Morricone, habile parodie des musiques des frères De Angelis (On continue de l’appeler Trinita).
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France / Italie 1973 The famous story of Little Big Horn's battle.
The Sioux, under Sitting Bull's command, have defeated General Custer's
cavalery. C'est l'histoire, souvent narrée dans le western, de la fameuse bataille de Little Big Horn où les Sioux rassemblés sous le commandement unifié de Sitting Bull ont défait le 70e de cavalerie du général Custer. De Walsh à Ford, de Siodmark à Penn, le western a illustré selon des points de vue différents cette victoire des Indiens où, selon l'idéologie westernienne majoritaire, ce « massacre » des braves soldats US. Dans Touche pas à la femme blanche, que réalise Marco Ferreri en 1973, juste après la Grande Bouffe, tous les protagonistes du drame sont présents : Custer et Sitting Bull, la cavalerie et les hordes d'Indiens. Quelques personnages historiques apparaissent en plus tels Buffalo Bill, une infirmière blanche et des agents de la CIA... Car nous sommes en 1973, dans le trou des Halles à Paris, et nos valeureux héros croisent dans les rues environnantes des voitures, des passants, des motocyclettes... De Marco Ferreri, il ne fallait pas s'attendre à un western classique, encore moins à une variation de western, mais à un objet non identifié mêlant anachronismes divers (allusion à la Commune de Paris et aux agissements de la CIA au Chili), burlesque et bande dessinée. Dans cet ersatz de western, Ferreri passe à la moulinette les figures, les situations et l'idéologie du genre. Le trait de génie d'avoir utilisé le trou des Halles associé à d'incroyables numéros d'acteurs, Mastroianni (Custer), Piccoli (Buffalo Bill), Tognazzi (le scout indien), Alain Cuny (Sitting Bull), pour ne citer qu'eux, fait de ce film fou, fou, fou, la démystification absolue du western.
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Italie / Espagne 1975
After the civil war, Keoma comes back in
his native city, where is an epidemic. He gives a pregnant women
is protection, and comes into conflict with the local gang. Après la guerre civile, Keoma revient dans sa ville natale où règne une épidémie. Il y prend sous sa protection une femme enceinte, rejetée par tous, et entre en conflit avec le gang local qui règne sur les environs. Sur un scénario de l’acteur populaire George Eastman, une nouvelle perle du genre. Un western stylisé grâce à la mise en scène parfaitement maîtrisée de Castellari : son recours au montage rapide renforce les moments de tension, tandis que l’usage du ralenti lors des scènes de fusillades leur confère un côté artistique qui transcende la violence brute. Castellari évite cependant le côté artificiel qui peut résulter de cette figure de style (piège dans lequel tombent la plupart des – innombrables – films d’action qui usent et abusent du procédé). Afin de profiter du succès rencontré par la série des Django, le film sortit dans plusieurs pays (notamment en Allemagne et aux États-Unis) sous de faux titres le rapprochant de cette série. L’artifice était d’autant plus aisé que le ton de Keoma était fort proche de celui du chef-d’œuvre de Corbucci et que Franco Nero était l’interprète principal des deux films. Ce fut d’ailleurs un de ses rôles majeurs (et son dernier western avant Django Strikes Again, treize ans plus tard). Enfin, l’excellente partition musicale signée Guido et Maurizio De Angelis (« musique de gémissements et de tortures ») renforce encore l’atmosphère mystique de cette œuvre unanimement considérée comme le chant du cygne du western italien.
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Le vent siffle
sous leurs pieds / Talpuk Alatt Fütyül A Szel Hongrie 1976 1880's. Farkas Csapó Gyurka escapes
from prison and returns to the plains of Karcag to take revenge
of his denouncers. The shepherds of the plain see him as their protector,
since the administration of the county restricts their space of
life more and more. Années 1880. Le célèbre brigand Farkas Csapó Gyurka s'échappe de prison et retourne dans les plaines du Karcag pour se venger de ceux qui l'ont dénoncé. Les bergers de la plaine le considèrent comme leur protecteur, depuis que l'administration du comté réduit de plus en plus leur espace vital, et que la construction d'un canal leur donne un avertissement : on n'aura bientôt plus besoin d'eux dans la plaine. Fils de pauvres gens, devenu officier de gendarmerie, Balázs Mérges respecte les bergers et les brigands plus que ses supérieurs et que les gens au service de qui il est. Mais Matyi Jeles, qui rêve de prendre la place du brigand, a juré la perte de Gyurka.
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Rosszemberek A bandit's wife make a deal with a judge
to leave her husband free. The couple will help the judge to capture
Jóska Gelencsér, the leader of the husband's gang. 1864. Quinze ans après l'échec de la guerre d'indépendance, et trois ans avant un accord signé entre les classes régentes hongroises et la dynastie des Habsbourg, dans le Sud-Ouest de la Hongrie. Un manoir est attaqué par le brigand Jóska Gelencsér et sa bande, tristement connus dans la région. Jusque-là, ils n'avaient fait que voler. Maintenant, ils tuent aussi. D'abord pour ce qu'ils croient être de la vengeance, puis par peur ou par bravoure. Kató, la femme de Soromfai, le bras droit de Gelencsér, fait un marché avec un juge pour qu'il laisse son mari libre de rentrer chez lui et de s'occuper de sa famille. En échange, le couple aidera à la capture de Jóska Gelencsér. |
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